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Un post condiviso da Telefilm Cult (@telefilmcult) in data: 27 Apr 2020 alle ore 2:20 PDT

NEWS - Alla fine "Game of Thrones" e "Lost" hanno una cosa in comune...finali deludenti (ma non I più deludenti..., forse)

News tratta da "Uproxx"
A Song of Ice and Fire author George R.R. Martin was recently a guest on Leonard Maltin’s Maltin on Movies podcast, where he called the internet “toxic” (no argument here!) following the negative reaction to the Game of Thrones series finale. “The internet is toxic in a way that old fanzine culture and fandoms — comics fans, science fiction fans — in those days, was not,” he said. “There were disagreements. There were feuds, but nothing like the madness that you see on the Internet.” It’s this “madness” that led to “The Iron Throne” being voted a worst finale than “Last Forever: Part Two” from How I Met Your Mother, “Remember the Monsters?” from Dexter, and “The End” from Lost. Speaking of Lost: in 2011, shortly before Game of Thrones premiered, Martin told the New Yorker that he “watched [Lost] every week trying to figure it out, and as it got deeper and deeper, I kept saying, ‘They better have something good in mind for the end. This better pay off here.’ And then I felt so cheated when we got to the conclusion.” He added, “I want to give them something terrific,” referring to Game of Thrones readers and viewers. “What if I f*ck it up at the end? What if I do a Lost? They’ll come after me with pitchforks and torches.” You might say Martin’s comments, which ended up on the internet, were… toxic, and Lost co-creator Damon Lindelof hasn’t forgotten them.
“I agree with you, George. And I remain a huge fan of your work,” Lindelof wrote on Instagram over the weekend. “That said, I’ve always wondered if you’d be House Stark or House Lannister… now I know it’s House Glass. Let’s stop throwing stones, shall we?” He then added the hashtags #TheNorthRemembers and #Turd, which are both Thrones references, sort of. Anyway, this unlikely feud can only end one way: with peace and understanding after Martin invites Lindelof over to his house to show him his extensive hat collection. Or maybe GRRM will write “who watches the Watchmen? Not me!” on his blog, I dunno. At least we can all agree The Leftovers series finale? Perfect.

L'EDICOLA DI LOU - Stralci, cover e commenti sui telefilm dai media italiani e stranieri

LA STAMPA
Da "Lost a "Game Of Thrones", quei finali a rischio delusione delle serie tv
"Otto stagioni. Cento milioni di budget a stagione. Quattordici uccisioni in media a puntata. Settantadue episodi fino a oggi. L'ultimo, il numero 73, andrà in onda in Usa il 19 maggio e il 20 in Italia: scritto e diretto da David Benioff e Dan Weiss durerà 80 minuti e metterà la parola fine a Game of Thrones, una delle serie più amate, seguite e discusse della storia della televisione. Ipotesi su come finiranno le avventure degli abitanti di Westeros tante. Certezze poche, anzi una: l'ultimo episodio lascerà alcuni fan insoddisfatti, frustrati, arrabbiati. Quanti non si sa, ma a giudicare dalle reazioni al penultimo episodio, quello andato in onda lunedì sera, tanti, anche se non scendiamo in particolari per evitare spoiler a chi la deve ancora vedere. E ora si teme per il gran finale: otto anni dietro a una storia per poi rimanere delusi. Eppure è inevitabile, un po' perché si tratta di elaborazione del lutto e a nessuno piace separarsi da personaggi che per quanto fittizi ci hanno fatto provare emozioni. Un po' perché accontentare tutti non è possibile, ci sarà sempre qualcuno che si lamenta. Non è la prima volta che succede. A guardare indietro sono pochi i casi in cui alla parola fine tutti gridano al capolavoro. Più spesso ci sono critiche, incredibilità, accuse agli sceneggiatori di non essere stati capaci di trovare una alternativa narrativa migliore. I fan de I Soprano ancora non si danno pace per quello schermo nero ritenuto universalmente come uno dei fmali più controversi mai trasmessi. All'epoca, le accuse a Davide Chase furono di essere stato criptico, di aver lasciato troppo spazio all'interpretazione, di fatto fuggendo alla sua responsabilità, tanto che aventi anni da quell'episodio, ancora si discute se Tony Soprano sia mono oppure no (lo è, ha confermato Chase due mesi fa). Critiche simili furono mosse per Lost. Quando, nel 2000, andò in onda l'ultima puntata in molti si sentirono presi in giro per la mancanza di risposte alle troppe domande lasciate aperte. Più recentemente è toccato a Dexter, a The Americans, persino a una sitcom leggera come E alla fine arriva mamma: quasi un decennio per farci incontrare la donna dei sogni del protagonista e dieci minuti per farla morire di una misteriosa malattia? Ma come si permettono? Se c'è una cosa che accomuna gli spettatori delusi è la sensazione di essere stati traditi, che quel rapporto di fiducia tra chi segue da casa e investe tempo e emozioni e chi quelle emozioni dovrebbe gestirle al meglio si è rotto. Lo sa bene George RR Martin, autore dei libri da cui è tratto Trono di Spade. Fan di Lost, persino lui dichiarò di essersi sentito ingannato da quell'ultimo, deludente episodio". (Simona Siri)

NEWS - Fermi tutti! JJ Abrams e il resto della produzione di "Lost" chiedono scusa a Evangeline Lilly dopo le accuse di essere stata costretta a girare scene seminuda

News tratta da Deadline.com
The creators and executive producers of the TV show Lost have issued an apology to actress Evangeline Lilly, who said earlier in an interview that she was made to feel “cornered” on the show’s set about doing partially nude scenes.
Creators and executive producers J.J. Abrams, Damon Lindelof, Jack Bender and Carlton Cuse issued a joint statement apology for the alleged problems on the show, which ran on ABC from 2004-2010. “Our response to Evie’s comments in the media was to immediately reach out to her to profoundly apologize for the experience she detailed while working on Lost,” the statement read. “We have not yet connected with her, but remain deeply and sincerely sorry. No person should ever feel unsafe at work. Period.” 
Lilly is currently featured in the film Ant-Man and the Wasp, and claimed in a recent podcast interview that she was “mortified and trembling” after filming a specific Lost scene. “In season 3, I’d had a bad experience on set with being basically cornered into doing a scene partially naked, and I felt had no choice in the matter,” Lilly said. “And I was mortified and I was trembling and when it finished, I was crying my eyes out and I had to go on do a very formidable, very strong scene thereafter.” She added: “In season 4, another scene came up where Kate was undressing and I fought very hard to have that scene be under my control and I failed to control it again. And so I then said, ‘That’s it, no more. You can write whatever you want—I won’t do it. I will never take my clothes off on this show again,’ and I didn’t.”Lilly previously said she flayed the skin off both of her forearms during a stunt that went wrong several years ago on the set of Lost.  Lilly also made it clear that the accident was no accident, accusing an unnamed stunt coordinator — who she described as “misogynistic” — of punishing her for defying his wish to have a stuntwoman do the stunt. It involved rolling off a thick tree branch high above the ground and hanging on for dear life, though there was no risk of falling because she was safely harnessed to the branch.

NEWS - Aridaje! Evangeline Lilly continua a accusare la produzione di "Lost": "costretta a restare seminuda sul set! E il mio personaggio è passato da essere indipendente a rizzacazzi..."

News tratta da "Variety"
Evangeline Lilly says she felt pressured into filming partially-nude scenes on ABC’s hit fantasy drama “Lost.” The “Ant-Man and the Wasp” star, who played the show’s heroine Kate Austen during its six-season run, revealed in an interview for “The Lost Boys” podcast that she was coerced into doing partially-naked scenes for her role, particularly in the third season.

“In Season 3, I’d had a bad experience on set with being basically cornered into doing a scene partially naked, and I felt had no choice in the matter,” she said. “And I was mortified and I was trembling when it finished. I was crying my eyes out, and I had to go and do a very formidable, very strong scene thereafter.”

Lilly said her discomfort continued into the following season of the show.

“In Season 4, another scene came up where Kate was undressing and I fought very hard to have that scene be under my control. And I failed to control it again,” she noted. “So I then said, ‘That’s it, no more. You can write whatever you want — I won’t do it. I will never take my clothes off on this show again.’ And I didn’t.”

Lilly has not filmed another scene involving nudity since her stint on “Lost,” a choice she has pointedly made when selecting projects.

“I’ve been doing this now for 15 years. I’m a little bit better equipped now to know the ropes, to not have uncomfortable positions come up now,” she added. “Because I have had uncomfortable experiences, when I read scripts where it involves nudity, I pass. And it’s not because I think there’s anything wrong with doing nudity. It’s because I don’t trust that I can be comfortable and safe. I’m lucky; I’m in a privileged position because I can be picky. I feel for women who are struggling to come up in the industry and don’t know how to navigate that.”

In the interview, Lilly also recalled her disappointment in the switch from Kate’s status as an “icon for strength and autonomy for women” to being thrust into the middle of a love triangle with two fellow passengers of Oceanic Flight 815: Jack (Matthew Fox) and Sawyer (Josh Holloway).

“I felt like my character went from being autonomous, really having her own story and her own journey and her own agendas, to chasing men around the island. And that irritated the s— out of me,” she explained. “I did throw scripts across rooms when I read them because I would get very frustrated by the diminishing amount of her own story that there was to play.”

On a recent stuntwomen panel, Lilly also claimed that a “misogynistic” stunt coordinator intentionally caused her to injure both her arms during a stunt on the set of the ABC series.

“I felt it was him saying, ‘I’m going to put you in your place for standing up to me,'” she said.

ABC did not immediately respond to Variety‘s request for comment.

Leggi le altre accuse alla produzione di "Lost" di Evangeline Lilly QUI

GOSSIP - Clamoroso al Cibali! Evangeline Lilly shock: "dopo 'Lost' giurai di smettere di recitare! Esperienza orribile, sul set mi pettinavo e truccavo da sola...dopo la prima stagione ho pensato di mandare tutti a fanculo!"
Born Nicole Evangeline Lilly in Fort Saskatchewan, Alberta, the middle of three sisters in a Christian, working-class Canadian family, she was raised in Abbotsford, British Columbia, by a grocery store manager dad and childminder mum. At college, she was spotted by Ford modelling agency on the street, but she turned them down, keeping the number. A while later, she thought again and ended up landing small parts in TV shows, the kind which come with credits like “Girl in cinema”, “Benton’s girlfriend” or, even better, “Party guest – uncredited”. Then in 2004, with next to no relevant experience (and no acting training), her foot fitted a glass slipper, landing the role of Oceanic Airlines Flight 815 survivor Kate Austen. She arrived in Hawaii where she still lives today with her partner, Norman Kali. She met him on the show when he was working as a production assistant, and their two sons, to shoot the pilot. Initially, she loved it. “I told my parents, ‘Oh my God, I can’t believe they paid me to do that. I would do that for free!’ It was so much fun.” After becoming an overnight hit, with US audiences of 12 million and millions more worldwide, suddenly, it wasn’t fun anymore. “Living in paradise and becoming a famous TV star seems like a dream come true,” she reflects. “Unfortunately for me, it wasn’t. None of those things were my dreams. It was a struggle, and I had a very hard time adjusting to life as a public figure. I was isolated and alone, far from home, not knowing anybody and being one of the few single people on the cast.” She couldn’t even bear to watch herself. “I wanted to curl up in a ball and die because I thought I was terrible.” She found herself at odds with the production, a discord which manifested itself in her doing her own hair and make-up. “I just thought this is ridiculous,” she recalls. “Why would I have somebody else do something for me that I’m perfectly capable of doing myself? Not to mention that I found it very overwhelming to have people touching me all day. I wasn’t used to it. It’s a tolerance you build up over the years as you learn to be an actor and you get used to people pulling, poking, rubbing, grabbing, adjusting and constantly touching you. For me, at the beginning, that was intolerable. I couldn’t handle it, so I said, ‘No, no, no, I’ll do it myself’. “I did my own hair and make-up in 15 minutes, because I was supposed to be on a deserted island. I should have bedhead and no make-up! I figured I could get a couple of extra hours sleep in the morning. If I was in the hair and make-up trailer, it was two hours!” She did many interviews at the time and most US journalists commented on her “potty” mouth. But was she really so sweary? “I did have, and probably continue to have, a bit of a foul mouth,” she admits with a laugh. “Back then I would unabashedly not hide it from journalists as a rebellion, as a way of saying I’m not going to be the prim, proper, prissy actress you want me to be. I’m going to be me. I’m going to be the blue-collar girl I am. Over the years, I came to a place of realising that there’s nothing to be gained by throwing my roots in people’s faces.” “Before Lost aired, I was sat down on numerous occasions,” she continues. “I was specifically instructed on how to behave with the press and in the public eye. That not only pissed me off, but it really hurt my feelings because I felt I was being told who I was and how I am naturally is a liability; you need to suppress it, hide it, put it away because otherwise, you will damage this thing we’re building together. At the time I would have told you it pissed me off. In hindsight, I can see that what it really did was break my heart. I would sob into my pillow at night because I felt I was a social leper and that the way I was wasn’t acceptable. “Remember I had a sense of I’m not going to do that; I’m not going to be fake. I refuse to be fake, I refuse to conform to expectations of what a Hollywood actress is supposed to be. I don’t believe in ‘supposed to be’. I think we should all be individuals, all the different colours of who we are.” Things reached a crisis at the end of season one. There were tearful conversations with her parents, who told her to ‘tell them all to f*** off, come home and eat chicken noodle soup’. Touching though she found their support, she ignored them, knuckled down and committed to the project. By season three, she let them do her hair and make-up. By the end, she had a Golden Globe nomination and a SAG Award. And when it was done? “When Lost finished, I said I was done and I’d never act again,” she answers. “For two years I retreated into obscurity. I had a baby. Then, when my baby was one month old, my partner got a call. They said Peter Jackson has been trying to contact your wife for two months and nobody in Hollywood can reach her. Do you think you could get the message to her he would like her to play an elf in an upcoming Hobbit movie? And although I really didn’t want to be acting, I wanted to play an elf for Peter Jackson more.”

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Un post condiviso da Telefilm Cult (@telefilmcult) in data: Lug 16, 2018 at 12:16 PDT

L'EDICOLA DI LOU - Stralci, cover e commenti sui telefilm dai media italiani e stranieri

IL FOGLIO
Aiuto, siamo tutti sceneggiatori di serie tv (per la gioia degli showrunner). Il fanatismo seriale tra spoiler, teorie fantasiose spesso azzeccate, commenti accademici, recap e "Rickrolling"
"La domanda "Chi ha ucciso Laura Palmer?" riuscì a intrattenere gli spettatori per 17 episodi e sette mesi (cominciavano gli anni 90). La domanda "Chi ha sparato a J. R.?" li aveva in precedenza intrattenuti per 5 episodi e otto mesi (cominciavano gli anni 80). Gli spettatori italiani vivevano in un mondo tutto loro: negli Stati Uniti avevano già sparato a J. R. e noi mai avevamo visto il cattivo con il cappello texano e il ranch di Dallas. Esercizio pratico: calcoli il candidato quante ere televisive sono trascorse, facendo il confronto con la cagnara scoppiata quando all'inizio degli anni 10 si seppe - con largo anticipo - che Matthew di "Downton Abbey" moriva in un incidente proprio la notte di Natale (l'attore Dan Stevens preferiva Broadway e mollò la serie). Il prossimo traguardo (leggi: il prossimo traguardo finora conosciuto) è un fake di Jonathan Nolan e Lisa Joy, showrunner di "Westworld": la serie che quanto a complicanze e ribaltamenti fa sembrare "Lost" un racconto lineare. Una fake news creata ad arte, perché tale finora era il loro regno (prima di attaccare i lamenti per le ricadute nel reale, fate mente locale sul fatto che nel 1938 Orson Welles finse alla radio che i marziani erano sbarcati sulla terra e molti credettero alla notizia). Jonathan Nolan e Lisa Joy non hanno mai davvero pensato di riunire in un video di mezz'ora tutti i colpi di scena di "Westworld" seconda stagione. Allo scopo di placare i fanatici che dopo ogni puntata cercano di immaginare "come andrà a finire", mettendo la parola fine a una pratica che sui social mischia spoiler e fantasiose teorie. Anche sulla mania dei "recap" - minuziosi riassunti per chi ha perso la puntata, che in realtà servono a chi la puntata non l'ha affatto persa, ma come i maniaci (o i bambini) non si stanca di ascoltare sempre la stessa storia - ci sarebbe qualcosa da dire. Credevamo che l'ossessione per il commento fosse un'attività per noiosi accademici. Scopriamo che nell'èra della velocità e della distrazione ha insospettabili adepti. Motiva il fake (oltre a un giochetto che si chiama "Rickrolling" e consiste nel promettere video imperdibili, reindirizzando su un video musicale di Rick Astley datato 1987) la disperazione degli sceneggiatori. "Voi a scrivere siete tanti, e io a leggere sono solo" lamentava Massimo Troisi. "Noi a inventare trame siamo pochi, e voi a smontarle e anticiparle siete migliaia e migliaia" è il lamento degli showrunner, nell'era della sovrabbondanza televisiva. Matt Zoller Seitz sul New York Magazine - un fantastico numero tutto sulla tv- ricorda che la prima stagione di "Westworld" fu cambiata in corsa, i fan avevano azzeccato troppi dettagli guastando la sorpresa. Quando i fan scoprirono a metà stagione che in "Mr Robot" c'era un tocco di "Fight Club" (tanto per non fare altri spoiler) lo showrunner Sam Esmail lasciò la storia tale e quale. Una soluzione al "siamo-tuttisceneggiatori" ci sarebbe: mettere a fuoco meglio i personaggi e non puntare tutto sui colpi di scena". (Mariarosa Mancuso)

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CORRIERE DELLA SERA
Il bosco di "Dark" ha radici in "Twin Peaks", "Lost" e "Stranger Things" 

"Una piccola e anonima cittadina tedesca è scossa da misteriose sparizioni: un ragazzo adolescente all'improvviso non fa più ritorno a casa, un bambino svanisce in un bosco in una notte tempestosa, nei pressi di una centrale nucleare. La polizia indaga su varie ipotesi di omicidio ma appare presto chiaro che la situazione è più tortuosa di quanto possa sembrare: strani fenomeni sovrannaturali iniziano ad accadere, una pioggia di animali morti cade dal cielo e si aprono inspiegabili deviazioni nella linearità del tempo, seguendo il motto «la distinzione tra passato, presente e futuro è solo un'ostinata e persistente illusione». Sono queste le premesse di Dark, la prima serie originale tedesca (già rinnovata per una seconda stagione) realizzata da Netflix secondo i canoni delle serie complesse e ad alto budget cui ci ha abituato la piattaforma. Col procedere delle puntate, l'inchiesta sulle sparizioni si connette stranamente a un caso irrisolto del 1986, mentre inquietanti segreti e connessioni inaspettate tra passato e presente vengono a galla, con alcuni personaggi che restano «intrappolati» in un'epoca lontana. Guardando Dark è difficile non pensare ad alcuni titoli di culto: Twin Peaks per le atmosfere, Lost per i viaggi nel tempo e i segreti connessi a una struttura governativa emanazione di un potere oscuro, che è il cuore pulsante del mistero. Difficile anche non pensare a Stranger Things, per i protagonisti adolescenti e per un ritorno nostalgico agli anni 8o mitizzati attraverso il racconto della musica, delle manie del periodo. Dark è un tentativo interessante di costruire un universo narrativo molto caratterizzato, soprattutto a livello estetico, ma in cui non sempre la trama «a puzzle» presenta misteri convincenti o affascinanti allo stesso modo. La presenza di un cast ampio limita la possibilità di approfondire i caratteri, lasciandone molti solo abbozzati". (Aldo Grasso)

NEWS - Achtung, compagni! Domenica 10 dicembre una valanga di gadget, cimeli e memorabilia seriali al "Bagagliaio" di Milano (Novegro). Padiglione C, Posto 35. Imperdibile: pezzi unici, occasione unica!
Domenica 10 dicembre c'è un'occasione unica e irripetibile per tutti gli amanti delle serie tv. Al "Bagagliaio" di Milano (Parco Esposizioni di Novegro) c'è una svendita di gadget, cimeli e memorabilia seriali da collezione cult.
Siete fan di "Game Of Thrones", "Breaking Bad", "The Walking Dead", "The Vampire Diaries", "Pretty Little Liars", "The Big Bang Theory", "Doctor Who", "Sex and the City", "Lost", "Blindspot", ""Downton Abbey", "Sons of Anarchy", "Buffy", "Battlestar Galactica", "Desperate Housewives", "Gotham", "Dexter"...e in generale delle serie tv? Bene, allora correte! Troverete pane per i vostri denti affamati! Gadget, cimeli, memorabilia delle vostre serie tv preferite. L'apertura cancelli è dalle ore 8.30 (costo ingresso: 3 euro). Be there!

NEWS - Achtung, compagne! E se il dietrofront del reboot di "Xena" fosse dipeso dalla trama lesbo troppo centrale?

Articolo tratto da "Il Foglio"

"E' ufficiale: Xena, principessa guerriera non diventerà un reboot. Niente revival, prequel, sequel. "Non c'è ragione di far rivivere Xena se non per raccontare una relazione che negli anni Novanta poteva trasparire solo in modo implicito", aveva detto qualche mese fa l'autore Javier Grillo Marxuach (Lost, The 100), spiegando le "incompatibilità artistiche" che lo avevano spinto ad abbandonare il progetto e riferendosi alla relazione lesbica di Xena e la sua amica Olimpia. La Nbc Entertainement aveva provato a tenere unita la produzione, ma invano: mercoledì la presidente Jennifer Salke ha reso nota la defezione, senza escludere che in futuro le cose possano cambiare. Il soggetto pervenuto era, secondo Salke, "insufficiente". Espunto l'amore tra Xena e Olimpia, quindi, gli autori arrivati dopo Marxuach non hanno saputo dar sangue alle nuove avventure della principessa guerriera che, negli anni Novanta (precisamente, dal 1995 al 2001, 137 episodi replicati e idolatrati per oltre un decennio), ha appassionato il mondo, infervorato i classicisti, anticipato l'anti canone della principessa che salva anziché farsi salvare e non lo fa da crocerossina, ma da guerriera. Xena l'amazzone, l'arciera, l'amica/nemica degli dèi, la prima favola per bambine ribelli, quando le bambine ribelli non erano un target, né la clientela di un brand e (almeno in Italia) guardavano Xena su Italia 1 e Canale 5, dopo Candy Candy. Xena, the warriorprincess nacque come spin off della serie Hercules (biblico, no?) e, in pochissimo tempo, non solo la pensionò, ma ne fece antiquariato: è di citazioni di Xena che sono piene le sceneggiature dei telefilm coevi più di successo, è lei a sedere nell'Olimpo delle icone di quegli anni, fu lei a tramandare la mitologia greca (anche se con parecchie imprecisioni) ai millennial ed è lei che è arrivata fino a noi, intatta e indocile. Qualche mese fa, mentre il successo del film Wonder Woman, al cinema, entusiasmava per la sua intonazione perfetta di femminile a femminismo, in molti ricordavano che la prima, vera, insostituibile amazzone, eroina femminile, femminista, femmina era Xena e che i tempi per scongelarla fossero ormai maturi. La Wonder Woman che abbiamo visto al cinema portava i segni del femminismo rabbonito per farsi universale, #genderfree e pol. corr., assieme a quelli di una scrittura dei supereroi che, negli ultimi anni, degli stessi ha voluto sottolineare limiti, debolezze, umanità. Xena, invece, era implacabile. Non si sarebbe mai sognata di andare in battaglia urlando "Credo nell'amore", di mostrarsi vulnerabile, di rivelarsi accomodante, sorridente, addomesticabile. I fan che, negli ultimi due anni, hanno chiesto che l'attrice protagonista rimanesse Lucy Lawless, ambientalista e attivista per i diritti Igbt, avevano sete di questo e non di un Harmony omosessuale con sfondo fantasy mitologico. La Nbc non ha censurato l'esplicitazione del rapporto lesbico tra Xena e Olimpia, quanto l'idea, che era di Marxuach, di farne la trama e il senso del reboot e forzando Xena nei panni di un'amante. Nel telefilm originale, gli autori scelsero di velare i gusti sessuali di Xena non solo perché erano gli anni Novanta e non si riteneva ancora che l'emancipazione passasse per la rappresentazione (anzi, un briciolo di lucidità consentiva di intravvedere, in quel processo, il pericolo di omologazione), ma pure perché l'ambiguità arricchiva il personaggio e consentiva l'impermeabilità del suo destino alle questioni di cuore, avendo Xena un compito preciso: salvare il mondo. Furono i fan a decidere che Xena era lesbica, a pronunciare la parola definitiva di quella che, in linguaggio tecnico, si chiama "fan fiction" (la storia scritta/riscritta dai fan). A quei fan, Marxuach voleva offrire un pacchetto, una Xena incatenata a un target: gli è stato impedito. Quando si dice un lieto fine".

NEWS - Shonda Rhimes lascia ABC per Netflix? Ecco perché i grandi showrunner mollano i network generalisti

Articolo tratto da "Vulture"

For networks and their affiliated studios, finding a way to hold on to top-tier talent used to be a relatively simple proposition. Big producer threatening to jump to another company? Back up a Brinks truck. And if money alone wasn’t the only concern, offer the talent more “creative freedom,” usually by guaranteeing a certain number of “straight-to-series” projects so her ideas won’t have to go through the usual (and often demoralizing) pilot process. As important as both those factors remain in talent negotiations, Shonda Rhimes’s just-announced decision to sign with Netflix and leave ABC/Disney points to a bleak new reality for old-school broadcasters trying to hold on to big names. For some Hollywood creatives, particularly those at the peak of their careers, offers of big bucks and promises of creative autonomy aren’t enough to overcome the view that network television is now the least attractive medium in which to work. Rhimes didn’t leave just leave ABC. She left network TV. As financially lucrative as broadcast remains, the trade-offs seem increasingly not worth it for showrunners such as Rhimes, who chafe at its many downsides. Instead of making anywhere from 8 to 13 episodes per year, broadcast producers often have to churn out two dozen episodes each season. Content restrictions mandated by advertisers and the government give creators less storytelling freedom. Shorter and shorter episodic lengths, the result of networks trying to squeeze in even more commercials, mean stories often need to be rushed. Talking to The Wall Street Journal about her decision, Rhimes strongly hinted that these fundamental differences between making a show for a broadcaster and for a streamer such as Netflix drove her to depart. “I’m thrilled by the idea of a world where I’m not caught in the necessary grind of network television,” she told the newspaper. Keep in mind, Rhimes already had about as much creative freedom as any producer currently working in linear TV today enjoys. She had basically stopped taking most (if not all) notes from her bosses at the network and studio. Even after her drama The Catch had clearly failed to connect with audiences, ABC ordered a second season of the show and gave Rhimes time to overhaul the premise. (It still didn’t work.) Still, even if her superstar status understandably forced ABC to give Rhimes more room to make shows the way she wanted to, she was still mostly making shows by network TV rules.

By contrast, streaming networks in general offer producers a completely different creative playground. Netflix lets Masters of None’s Aziz Ansari and Alan Yang imagine a comedy in which every episode feels like a new, mini–independent film. Amazon gives Jill Soloway the freedom to tell a story like that at the heart of Transparent, an idea that wouldn’t make it past the pitch stage at a broadcaster. And the all-episodes-at-once model pioneered by Netflix gives creators the opportunity to engage audiences in immersive viewing experiences designed to be digested over the course of a few days rather than via the relatively glacial pace of a weekly release. Linear networks such as HBO and FX obviously offer some of the same freedoms as a Netflix, and even broadcasters have pushed their own boundaries to allow for creative innovation (think ABC’s own American Crime). A streamer like Netflix, however, offers all of these innovations, in addition to a global reach unmatched by linear networks and a deep, deep pocketbook with which to fund creators’ visions. For a few years now, the stark differences between the network and Netflix models of television have made it more difficult for broadcasters to attract top names. Networks struggle like never before to find interesting and well-known actors in their shows each pilot season because so many stars now want to work on streaming shows. As one exec told Vulture last year, “The talent wants to go to the fancy-schmancy new kids on the block.” (And if a streaming series isn’t an option, a premium or basic cable show often comes before broadcast these days.) The Rhimes deal shows how streaming fever may now be spreading beyond younger, fresher talent to creators who are already successful veterans in the network world. While this is clearly a problem for broadcasters, particularly a struggling network such as ABC, it’s also important to not assume it spells doom for linear TV. There are still plenty of talented producers willing — even eager — to work in a medium where even the least successful series reaches far more viewers than most cable shows and the likely audience for streaming shows. Plus, networks have proven time and again they’re able to adapt to new threats. Basic cable was supposed to spell the end for broadcast; it didn’t. HBO’s late-1990s golden age (Sex and the City, The Sopranos) was seen by some as a sign great writers would never again work for one of the Big Four, but then some relative unknowns named J.J. Abrams, Damon Lindelof, Marc Cherry, and, yes, Shonda Rhimes created Lost, Desperate Housewives, and Grey’s Anatomy, all of which premiered in the same 2004–05 season.

Things are far tougher for broadcasters than they were even ten years ago, of course. Younger viewers in particular have nearly given up watching scripted shows via linear television. Advertisers are moving their money elsewhere. But plenty of folks still do have a nightly TV habit, and like the Big Three automakers who’ve managed to (mostly) stay afloat despite decades of foreign threats, broadcasters have proven themselves exceedingly resourceful over the years. Pundits have predicted the death of network TV forever, but so far, network TV has always found a way to survive.

L'EDICOLA DI LOU - Stralci, cover e commenti sui telefilm dai media italiani e stranieri

CORRIERE DELLA SERA
La complessità delle serie tv spiegata in un manuale (prolisso)

"La complessità narrativa è ormai talmente diffusa e popolare che potremmo considerare quel periodo che va dagli anni Novanta fino a oggi come l'era della televisione complessa. La complessità non ha sostituito le forme convenzionali della maggior parte dei programmi televisivi: a tutt'oggi vanno in onda molte più sitcom e serie convenzionali che narrazioni complesse, per non parlare dei tanti generi di non-fiction e semi-fiction di successo come i reality, i telegiornali satirici e i programmi di lifestyle, che a tutt'oggi sono anzi tra i più diffusi». Alla serialità americana mancava una definizione che in qualche modo la legittimasse all'interno della comunità scientifica (sempre così autoreferenziale), dei media studies e dei cultural studies. Complex Tv. Teoria e tecnica dello storytelling delle serie tv di Jason Mittel è stato pubblicato da Minimun Fax, a cura di Fabio Guarnaccia e Luca Barra: dalla rivoluzione apportata dai Soprano al successo irripetibile di Lost, dalla struttura comica complessa di Arrested Development e How I Met Your Mother fino alla radicale trasformazione di Walter White in Breaking Bad, lo storytelling televisivo è profondamente cambiato, grazie a novità tecnologiche, produttive e di ricezione. Spesso per nobilitare questa tv, si fa un abuso di paragoni letterari o cinematografici. La parte più interessante del lavoro di Mittel è proprio questa: analizzare il mezzo televisivo in sé, piuttosto che cercare di legittimarlo attraverso similitudini cross-mediali. «È cambiato il modo in cui — scrive Mittel — gli spettatori guardano la serie, così come sono cambiate la produzione e la distribuzione, e tutto ciò ha portato a una nuova forma di storytelling che io ho definito complex tv, tv complessa». Il libro spiega il fenomeno addentrandosi nei dettagli. Con un linguaggio un po' troppo accademico. In 300 pagine si poteva dire meglio quello che l'autore dice in 600". (Aldo Grasso)

NEWS - La scoperta dell'acqua calda: nelle serie tv c'è filosofia! Ma vahhh? Un libercolo scova, tra il banale e il fantasioso, i link tra titoli cult e grandi pensatori (in "GOT" c'è Machiavelli...l'avreste mai detto???)

Articolo tratto da "La Stampa"

Quanto può essere costruttiva la filosofia, taluni ragazzi fortunati lo imparano dai loro insegnanti, quando la mente è ancora libera e bella, sgombra di troppi pregiudizi e pronta alla forgiatura. Ma per sentirla attuale, devono inevitabilmente trovare degli agganci con la realtà, persino quando si parla di Parmenide, primo fra gli Eleati, 500 avanti Cristo: Elea, piena Magna Grecia, è ora Ascea, provincia di Salerno. Come si può agganciare all' attualità una frase del tipo: «Ciò che è, è; ciò che non è, non è»? Si può, si può. E il come è venuto in mente a un contemporaneo professore di filosofia che si autodefinisce «pop-filosofo». Si chiama Tommaso Ariemma, è nato a Napoli nel 1980 e ha appena pubblicato da Mondadori La filosofia spiegata con le serie tv, con una predilezione particolare per Black Mirror. Oltre a Parmenide, abbinato a True detective, troviamo una variopinta antologia formata da: Platone- Black Mirror; Aristotele-The Walking Dead; Machiavelli-Il trono di spade; Hobbes-Westworld ; Cartesio-Black Mirror, mitico episodio di San Junipero; Spinoza-The Young Pope; Kant-Lost; Hegel-Breaking Bad; Marx-Mad Men; Sartre-ancora Black Mirror, episodio Caduta libera .

Il libello ci aiuta a ricordare che il vero specifico televisivo, le serie per l' appunto, sono più profonde, ma anche colte, di quanto fingano di apparire. Dice Ariemma: «La prima volta che sono entrato in una classe e ho spiegato i grandi filosofi attraverso il riferimento alle migliori serie in circolazione, gli studenti mi sono apparsi disorientati, spiazzati. In seguito, non hanno più potuto farne a meno». Ecco qualche esempio.

Parmenide-True detective

Il poliziotto Rust, Matthew McConaughey, ha perso una figlia: all' amico Marty, Woody Harrelson, confida di aver visto tra la vita e la morte il defunto padre e la figlia nell' oscurità, che lo invitavano a svanire insieme, ma Rust segue la luce, cioè la convinzione che essi «sono» e non finiranno mai di essere con lui, soprattutto ogni volta che penserà a loro. Anche per Parmenide, padre venerando e terribile di ogni inesorabile detective, tutto è eterno, quindi sempre rintracciabile con la ragione. Caccia al colpevole.

Platone-Black Mirror 

Gli episodi sono ambientati in un futuro prossimo in cui le tecnologie hanno reso la vita un inferno. Anche Platone se la prendeva con le tecnologie del suo tempo: la scrittura, le arti, i discorsi dei sofisti. E ci mette in guardia pure dalla degenerazione della politica. Guarda caso in Black Mirror l' orsetto animato Waldo, conduttore tv, può candidarsi come alternativa a quei politici che demolisce e irride nel suo programma: per Platone, solo il filosofo in grado di strappare le catene della caverna, può governare. Platone suggerirebbe di non votare assolutamente Waldo, proprio no.

Aristotele-The Walking Dead 

La sapeva lunghissima, Aristotele, sulle fiction. Un racconto, per essere seguito, deve suscitare un piacere capace di farci entrare nella storia, di farci immedesimare, lasciando da parte paure e ansie della vita quotidiana. Per far questo, la trama deve avere tre momenti: paura, pietà, catarsi. Così per Walking Dead : dopo tutto il cammino, la catarsi ci vuole, una purificazione capace di sollevarci, di farci stare meno in pena per il nostro Rick, Andrew Lincoln, che riuscirà alfine a rivedere la sua famiglia e a risolvere il problema degli zombie. Ma la narrazione aristotelica insegna: il più tardi possibile.

Machiavelli-Trono di spade

Una serie preziosa perché mette in scena ciò che manca o che abbiamo perso. Certo, è una narrazione fantasy piena di draghi, ma caratterizzata anche da un sorprendente realismo. Machiavelli punta sul condottiero sbagliato, il Duca Valentino, un po' come fa sempre lo spettatore medio di Game of Thrones . Il mondo delle serie tv, come il nostro, è governato dal caso e dalla fortuna, anche se i suoi personaggi mantengono intatte acconciature e pettinature anche in punto di morte.

Spinoza-The Young Pope 

Eccolo, il Lanny Belardo-Jude Law, che per Sorrentino dice: «Colui che ama Dio non deve pretendere che Dio, a sua volta, lo ami». E secondo Spinoza Dio è infinito, perfetto, totale, assoluto: non può essere la copia ingigantita dell' uomo.

Kant-Lost 

Che farebbe Kant perduto su un' isola deserta? Per lui, anche quando il caos sembra prevalere, c' è sempre la possibilità di un orientamento. Soprattutto quando questo caos ha l' aspetto di un' opera d' arte, e produce ciò che Kant chiama «l' idea estetica». Ovvero, un' idea che dà l' occasione di pensare molto, senza che nessun pensiero sia perfettamente adeguato e nessun linguaggio totalmente comprensibile. In una parola: Lost.

Marx-Mad Men 

La pubblicità promette la felicità, ma la merce che poi acquistiamo non ce la fa raggiungere. Non consumiamo merci, consumiamo felicità. E Marx avrebbe saputo proporre a Don Draper, Jon Hamm, la sua ricetta: il comunismo. Mio caro Dan, direbbe Marx, certo, l' universo è indifferente, ma tu non vorresti essere felice? Una bella trappola, quella della felicità.

TELEFILM ART - The Art of Cristian Barbeito

www.telefilmcult.tumblr.com

NEWS - Amate le serie tv? State in Campan(i)a! Un campus universitario a Fisciano (Salerno) vi spiega i linguaggi e i consumi della serialità

News tratta da "Il Mattino"

Tutto è serialità. Siamo invasi, affascinati, sedotti e(alla fine della serie) abbandonati. Totalmente immersi in un processo di creatività e narrazione audiovisiva che sembra ogni cosa sfiorare e ogni cosa reinventare. In principio furono gli sceneggiati televisivi, poi giunse l'epopea infinita delle soap opera, le generazionali sit-com fino ad arrivare al nostro contemporaneo dove il processo seriale è di grande forza e diffusione, tanto da influenzare perfino il cinema. «I linguaggi utilizzati sono all'insegnadiunapotente innovazione. E la costruzione dell'immaginario seriale è magico intreccio: televisivi e post-televisivi siamo intinti in un cortocircuito inesauribile di trame, visioni, azzardo», spiega Alfonso Amendola. Il prof di Sociologia degli audiovisivi sperimentali all'università di Salerno è l'anima, con Linda Barone e Maurizio Calbi, del convegno internazionale, promosso da Unknown Pleasures, «To be continued. Il dispositivo seriale tra narrazioni, linguaggi, traduzioni e consumi» in agenda da oggi a domani (10-18) al Campus di Fisciano. Per molti la vera dimensione seriale ha inizio con «Ai confini della realtà» per altri con «Star Trek». Quel che è evidente è che ogni serie è storia a sé. Dal circuito spazio-temporale di «Lost» all'effetto nostalgia di «Stranger things»; dal visionario «Westworld» all'epico «Trono di spade». E, ancora, i medical drama, le commedie, lo straordinario capitolo made in Italy di «Boris», «Romanzo criminale», «Gomorra» e «The Young Pope». Nella cultura seriale c'è ditutto di più, in una riuscita miscela di tradizione, sperimentazione, innovazione e convenzionalità. Ne parleranno 30 relatori, riflettendo anche sul radicale cambiamento socio-culturale in atto, le nuove professionalità, le problematiche legate alla linguistica, le dinamiche di ricezione, il rapporto tra autorialità e consumo di massa. Lectio magistralis di Jordi Ballo (università Pompeu Fabra di Barcellona) e Douglas Lanier (università del New Hampshire) sulla centralità di William Shakespeare nel fiabesco seriale contemporaneo.

NEWS - JJ Abrams+Meryl Streep, coppia d'assi ad alto budget che nessun network vuole (per ora)
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NEWS - Clamoroso al Cibali! Negan, un'altra stagione e mezza per rivitalizzare "The Walking Dead"
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L'EDICOLA DI LOU - Stralci, cover e commenti sui telefilm dai media italiani e stranieri

LA STAMPA
Con "Westworld" conta più l'atmosfera che il resto
"L'ultimo giocattolo della tv si spinge in una zona d'ombra difficile da decifrare. Westworld, ambiziosa serie della Hbo in onda in contemporanea negli Stati Uniti e in Italia, porta nel titolo, «Dove tutto è concesso», le istruzioni per l'uso. Solo che la mappa è molto meno chiara di quanto possa sembrare. L'elaborato parco dei divertimenti a tema western si trasforma ogni dieci minuti in un bagno di sangue festeggiato con stupri e violenze. E il limite non esiste perché tutta questa brutalità, venata di vago romanticismo e interrotta solo da lunghe occhiate languide, non si sfoga contro degli esseri umani ma contro delle sofisticate macchine. Quindi, appunto, vale tutto. Molti personaggi non fanno che ripeterlo ad amici più timidi: «E disegnato apposta per farti divertire, lasciati andare, non è reale» ed è pure girato per non essere mai neanche vagamente verosimile. Non esiste nemmeno una realtà contemporanea da contrapporre alla mattanza del vecchio west, si vedono solo gli uomini che vivono dietro al parco e lo controllano e nulla si sa dell'epoca e del luogo in cui si muovono. Gli androidi dalle sembianze perfettamente umane stanno quasi tutto il tempo nudi, in officina, dove una serie di programmatori psicologi, tutti fuori controllo, impartiscono ordini surreali del tipo: «Togli la parte emotiva». E poi cancellano ogni giornata dalla memoria dei cyborg. È un fumetto e la responsabilità non trova radici, scivola, perde di senso. Eppure la domanda di fondo torna: ma davvero avrebbe senso pagare quasi 40 mila euro al giorno per poi sparare a tutto quello che si muove e violentare quel che resta in piedi? Preoccupati che il quesito contagi l'audience, gli attori iniziano a rivelare trame e dettagli per chiarire che nulla è gratuito e del resto pure il copione rispecchia l'idea perché segue letteralmente il percorso di un labirinto che appare fra le mani di diversi ospiti. Trovare un senso nel disegno della fiction avrebbe poco senso: da Twin Peaks a Lost ormai si è capito che conta l'atmosfera, l'idea di fondo. L'evoluzione della storia non è poi così importante in molta parte delle serie contemporanee. Però, in una scenografia dove il fondale cambia, le intenzioni pure, i protagonisti si perdono e le menti dietro il progetto sono logorate dai segreti, dare un peso a quel che è giusto diventa complicatissimo. Il padre del baccanale, interpretato da Anthony Hopkins, non aiuta. Tanto memo il visitatore seriale con la faccia di Ed Harris e nemmeno un nome a disposizione. Per sciogliere qualche nodo e capire se il fascino supera l'imbarazzo o viceversa bisogna andare alle radici dell'idea. Westworld è figlio di una visione più arcaica già diventata film nel 1973 grazie alla regia di Michael Crichton che ha scritto il soggetto originale. La realizzazione non lo aveva soddisfatto e in realtà lui si era tolto lo sfizio di un parco degenerato con JurassicPark, diciassette anni dopo. Gli avevano proposto un remake di Westworld, ha rifiutato. II primo a cui hanno offerto la direzione del remake è stato Quentin Tarantino e pure lui ha deciso di stare alla larga. Più raffinati diventavano i mezzi e più rischioso si faceva il programma. C'erano tutti gli elementi del fiasco e invece la serie ha successo. Esordio sopra le aspettative, nessun rimpianto per Game of Thrones, che ha creato persino casi di inspiegabile dipendenza, seconda stagione più o meno concordata nonostante i costi. Il giocattolone perverso funziona, il sangue finto è catartico, peccato che alla quinta puntata ormai sia chiaro che le intelligenze artificiali hanno imparato pure a provare emozioni e anche quando vengono resettate mantengono psichedelici ricordi. Quindi prenderle a pistolettate e trascinarle per i capelli torna a essere un reato. Non proprio, la sceneggiatura ci risparmia il voyerismo illecito. Gli ospiti non sanno che le macchine stanno assimilando sentimenti, se la godono. Con quel che costa il soggiorno. Il pubblico è adulto e consenziente ed è lo stesso che chatta on line raccontando frottole in cambio di sesso virtuale. Il senso di colpa per quel che non è reale lo ha perso almeno da una generazione". (Giulia Zonca, 31.10.2016)